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今なぜ「YBA」なのか？どん底のロンドンを塗り替えた反骨精神と、2026年のロンドンのアーティスト事情

Mizuki — Thu, 26 Feb 2026 12:04:18 +0000

今月、東京の国立新美術館でYBAの展覧会がオープンした。

https://www.ybabeyond.jp/en/

YBAとは「Young British Artists」の略で主に90年代のロンドンで頭角を現した若手アーティストたちのことを指す。

現在、日本のみならず世界中でYBAの人気が再燃している。例えば、数年間に及ぶ大規模改修に入ったパリのポンピドゥー・センター。その改修前最後を飾る大役を務めたのも、YBAの一員であるヴォルフガング・ティルマンズだった。

では、なぜ今またYBAなのか。そして現在のロンドン・アートシーンはどうなっているのか。今回はそれらを紹介したい。

「どん底」から生まれたパンク精神

まず、なぜYBAが生まれたのか。それは当時のイギリス経済と深く紐付いている。

当時のロンドンは経済が停滞し、若手アーティストが既存のギャラリーで扱われるチャンスはほぼゼロだった。そんな状況下の1988年、ロンドンの美大ゴールドスミス・カレッジの学生だったデミアン・ハーストが「誰も展示してくれないなら、自分たちでやる」というパンク精神で、廃墟となった港湾倉庫を借りて開催したのが『Freeze』展だ。これがすべての象徴的なスタートとなった。

https://entergallery.com/blogs/news/celebrating-the-legacy-of-freeze-exhibition?srsltid=AfmBOopbdI1s26-HPOksrmu4Iwk7YGnBxEOh-0CH4ZK9kXBm07q2SUe-

ダミアン・ハーストがいたロンドン南東部にある美大の名門「ゴールドスミス・カレッジ」はYBAのカルチャーの中で大きい存在だ。ここは他の美大（ロンドンにある他の美大RCAやUAL）とは違い、「ジャンルの壁」を壊した自由な教育を行っていた。その土壌が、ハーストの「サメのホルマリン漬け」やトレイシー・エミンの「自分のベッド」といった、従来の枠に収まらない表現を生み出したといえる。

彼らが凄かったのは、ただ作品を作るだけでなく、強烈な「起業家精神」を持っていたことだ。狭いコミュニティで満足せず、ロンドン屈指のコレクターであるチャールズ・サーチ（ロンドンの中心部でサーチギャラリーを運営）を自分たちの展覧会に招待するなど、自らの手でアートの本流へと這い上がっていった。

https://en.wikipedia.org/wiki/Saatchi_Gallery

この「不景気を打破する、あるいは無視して突っ走る」姿勢は、現代の閉塞感がある社会にも通じるものがある。私たちに、一種の反骨精神のようなエネルギーを与えてくれるからこそ、今また日本で彼らが紹介される意味があるのかもしれない。

ジェントリフィケーションという光と影

一方で、現在のロンドンに目を向けると、アーティストを取り巻く環境は激変している。

かつてYBAが拠点にしていた東ロンドンは、「貧困・危険」なエリアだった。だからこそ、捨て置かれた工場や倉庫を格安でスタジオや会場として利用できた。特にショーディッチ（Shoreditch）やホクストン（Hoxton）は規制も緩く、夜な夜なパーティーとアートが融合する混沌としたエネルギーに満ちていた。

しかし、今の東ロンドンは全く違う。ジェントリフィケーション（都市の高級化）が進み、ボロボロの倉庫は今や高級マンションやIT企業のオフィスに様変わりした。一人暮らしをしようものなら、月の家賃は50万円を超えるだろう。今のショーディッチにはAesopやLe Laboといった洗練されたショップが並び、観光客と富裕層が集まる「きれいなクリエイティブ地区」になった（もちろん、これらのブランドが悪いわけではなく、あくまで象徴として）。

ニューヨークのブルックリンもそうだが、アーティストがエリアをクールにした結果、価値が上がりし、皮肉にもアーティスト本人が家賃を払えず住めなくなる。そんな現象が起きている。さらに、イギリス政府による大学への補助金削減も追い打ちをかけている。授業料は大幅に上がり、留学生に至ってはイギリス国民の2倍。もはや富裕層しか美大に行けなくなっているのが実情だ。生活費も異常に高く、ロンドンでアーティストとして生きるハードルはかつてないほど高い。

今、アーティストはどこにいるのか？

それでも、アーティストたちは場所を変えながら活動をしている。現在の主な拠点は以下の4つのエリアだ。

ハックニー・ウィック (Hackney Wick)

ショーディッチのさらに東。ここも開発の波が来ているが、まだ「アーティストスタジオ（大きな建物を区切って貸し出すシェアスタジオ）」が残っている。V&A Eastからも近いため、今後さらに変化しそうだ。

デプトフォード (Deptford) & ニュー・クロス (New Cross)

ロンドン南東部。ゴールドスミスのお膝元であり、今も若手や学生が多く活気があるエリア。

ウォルサムストウ (Walthamstow)

ロンドン北東部。まだ地価が比較的安く、制作拠点を求める層が集まっている。

ペッカム (Peckham)

南ロンドンの中心。アフリカ系コミュニティが盛んな場所だが、UAL(ロンドン芸術大学)のキャンバーウェル・キャンパスに近く、ギャラリーやルーフトップバーが集まる最もエネルギッシュな場所の一つだ。

私自身も現在、南ロンドンにある「ASC studio」というコミュニティのスタジオを借りて作品を作っている。家賃が高いロンドンでは、住居とは別にこうしたスタジオを借りて、友人とシェアするのが一般的だ。10畳ほどのスペースをシェアして、月£150（約3万円）ほど。

こうしたコミュニティでは、公募展や「Open Studio（制作場所を一般公開するイベント）」が開催され、他のアーティストと情報交換できる貴重な場になっている。

変わらない「作る理由」

街をクールに変え、やがてその熱狂によって居場所を追われる――。ロンドンのアーティストが辿った軌跡は、アートと都市の皮肉な関係を物語っている。かつての混沌とした東ロンドンはもうないが、その精神は形を変え、今も南へ、あるいはさらに東へと移動し続けている。

経済の停滞をエネルギーに変えたYBAの反骨精神は、今の私たちにこそ必要な「突破口」を教えてくれる気がする。

そして彼らが証明したのは、システムの外側にこそ新しい価値があるということだ。かつてYBAが廃倉庫から世界を塗り替えたように、時代が変わってもアーティストの「作る理由」は変わらない。街がどれほど洗練されても、新しい表現は生まれ続けていくのだろう。

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日本はなぜ「キャラクター大国」なのか？

Mizuki — Tue, 24 Feb 2026 13:49:37 +0000

多くの人が、日本で生み出されたポケモン、マリオ、ハローキティを知っているだろう。しかし、実際に日本に来て街を歩くと、至る所で今まで見たことがないキャラクターに出会うことになる。銀行の窓口、工事現場の看板、果ては警察や自治体のマスコットまで。

例えば、警察署には「ピーポくん」、自治体には「くまモン」や「チーバくん」など、公的な場所にも当たり前のようにキャラクターが存在する。なぜ日本には、世界中を席巻するキャラクターを生み出す文化がこれほど根付いているのか。その理由は、日本の歴史と精神の中に隠されている。

「八百万の神」と現代のゆるキャラ

キャラクターが次々と生み出される背景には、日本の宗教観も大きく関わっている。神道には、あらゆるものに魂が宿ると考える「八百万（やおよろず）の神」の精神がある。古い道具が化けて人格を持つ「付喪神（つくもがみ）」の考え方は、現代の「ゆるキャラ」に直結している。

彦根城と猫を合体させた「ひこにゃん」や、船橋市の梨の妖精「ふなっしー」のように、無機物や特産品に顔をつけてキャラクター化する発想は、まさに現代版の妖怪や神様といってもいい。

妖怪と浮世絵：キャラクター愛の源流

日本のキャラクター愛の源流は、江戸時代の「妖怪」や「浮世絵」にまで遡る。かつて人々は、自然界の脅威や日常の不思議を「妖怪」として形にした。恐ろしいだけでなく、どこかユーモラスで愛嬌のある姿で描かれた妖怪たちは、まさに日本最古のキャラクターといえる。
浮世絵の巨匠、葛飾北斎や歌川国芳は、擬人化した動物や奇想天外な化け物を描き、庶民を楽しませた。当時の人々は、こうした「キャラ化された存在」を、娯楽として、あるいは身近なアイコンとして楽しむ土壌をすでに持っていたのだ。

「記号化」と「余白」が生む強み

日本が生んだレジェンド級のキャラには、共通する強みがある。例えばハローキティ。口が描かれていないのは、見る人の感情を投影させるための「余白」だ。悲しい時には寄り添い、嬉しい時には共に喜んでくれる。

マリオやピカチュウも同様だ。浮世絵が少ない線で特徴を捉えたように、一目でそれとわかる「記号化」の技術が、言葉の壁を超えて世界共通のアイコンとなった。ドラえもんのような、完璧ではない「落ちこぼれ」が誰かを助けるという設定も、人々の親近感を呼び起こしている。

「親近感」から「深い共感」へ

キャラクターは「憧れ」や「癒やし」に加え、「現代人の切実な日常」を代弁してくれることもある。現在日本で流行っている「ちいかわ」は、労働に追われ、不条理な現実に怯えながらも一生懸命に生きる様子を見せてくれる。「カワイイ」というオブラートに包みながらも、泥臭く生きる姿を見せることで、大人からも「これは自分のことだ」という深い共感を得ている。

再燃する「平成女児」ブーム

日本では新しいキャラが次々と生まれる一方で、リバイバルで復活し、再び大きなブームを作ることもある。その象徴が、現在日本を席巻している「平成女児」ブームだ。

平成女児とは、日本の平成時代（1989年〜2019年）に生まれ育った女性を指す言葉だ。（※平成とは日本の元号で、今の元号は令和である）。ざっくり言えば「Y2Kの日本限定版」のようなものだと思えばいい。このブームは、当時学生だったミレニアル世代の「懐かしさ」と、Z世代の「かわいくて映える」という感性が交わり、爆発的な消費を生んでいる。

特に「ステッカー」は、かつてのポケモンカードのように女性の間でトレードされるほどの人気だ。その対象となるのは、まさにあの時代を築いたキャラクターたちである。

サンエックスのキャラクターたち：

こげぱん、みかんちゃん、アフロ犬、たれぱんだ、しずくちゃん。平成時代に学生だった人なら誰もが知っている、独特で愛らしいキャラたちが、文房具やガチャガチャ、コスメ企業とのコラボで再ヒットしている。

アパレルブランド「ナルミヤ」：

エンジェルブルーやメゾピアノといった、高級百貨店で販売されていたポップなブランド。当時はTシャツ1枚1万円以上するステータスアイテムだったが、そのギャップのある可愛さが今、再び注目されている。

たまごっち：

デバイスとして進化を続け、現在はカラー通信も可能だ。スマートフォンではなく、あえて「もの」としての価値を持つデバイスであることが、今の時代には新鮮に映っている。

サンリオのレトロキャラ：

ハローキティだけでなく、けろけろけろっぴ、ハンギョドン、ポチャッコといった、平成世代に絶大な人気を誇ったキャラクターたちのレトロなデザイングッズが、莫大な人気を呼んでいる。

このように、日本では文化的・宗教的な背景からキャラクターが生まれ、それが時代を超えて姿を変えながら、人々の生活に溶け込んできた。

江戸の妖怪から、平成のポケモン、たまごっち、そして令和のちいかわまで。日本にとってキャラクターとは単なる「絵」ではなく、八百万の神々のように私たちの日常に寄り添い、時に現実の苦しさを分かち合い、時に世代を超えた共通言語となる、なくてはならないパートナーなのだ。この深い関係性こそが、日本を世界一の「キャラクター大国」たらしめている真の理由だろう。

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The Weekndのサブアカウント「@gene.hackerman」から紐解く最新のリアルな日本カルチャー

Mizuki — Fri, 20 Feb 2026 13:43:41 +0000

2025年12月から2026年1月にかけて、日本に2ヶ月間滞在したと噂されているアーティスト、The Weeknd（ザ・ウィークエンド）。

彼のInstagramで唯一フォローされている謎のアカウント@gene.hackerman。当初は日本の風景がアップされていたが、ついに本人の写真が投稿されたことで、ファンの間では彼自身のサブアカウントだと確信に変わった。そこに並ぶのは、ありきたりな観光地だけじゃない。日本の日常やディープなサブカルチャーが溢れていて、彼が今の「リアルな日本」を心から楽しんでいる様子が伝わってくる。

この記事では、彼のサブアカウント @gene.hackerman の投稿から、今の日本のカルチャートレンドを深掘りしていく。

https://www.instagram.com/gene.hackerman/?hl=en

現代アートの巨匠・空山基との再会

まず外せないのが、初期の投稿から度々登場する「空山基（そらやまはじめ）」だ。彼は、渋谷のコンテンポラリーアートギャラリー「NANZUKA」を代表するアーティスト。

NANZUKAは2005年に南塚真史が設立した、ポップカルチャーと現代美術を融合させる実験的な場所。近年惜しまれつつ亡くなった巨匠・田名網敬一も所属している。

空山といえば、ロボットをモチーフにした作品が有名だ。The Weekndとは2021年の「Echoes of Silence」10周年記念プロジェクトでコラボしており、2023年のツアー「After Hours Til Dawn Tour」では、ステージ中央に鎮座した全長7メートルの巨大ロボット「Sexy Robot」が360度回転する圧巻の演出が話題になった。

サブアカウントの最初の投稿では、彼が空山のスタジオを訪れ、作品が生まれる瞬間を動画で捉えている。

これを見て「また何か新しいコラボがあるのでは？」と期待せずにはいられない。

キャラクター産業の最前線をゆく

続いては、アニメ・漫画・ゲーム関連だ。今月、東京にオープンしたばかりのポケモンテーマパーク「ポケパークカントー」に、彼は早くも姿を現した。

https://www.pokepark-kanto.co.jp/ppark/top/index

ここは「よみうりランド」の跡地に建てられた世界初のポケモンテーマパーク。広大な公園のあちこちに潜むポケモンたちのフィギュアと写真を撮ったり、屋内でショーを楽しんだりできる。

さらに、USJの「マリオパーク（スーパー・ニンテンドー・ワールド）」にも訪問。日本のキャラクター産業がいかに力強く、進化し続けているかを象徴するようなチョイスだ。

このように、日本のキャラクターに関するテーマパークは近年続々とオープンし、日本のキャラクター産業の強さを目の当たりすることができる。

伝説的アニメから最新作まで、展示会をハシゴ

日本各地で開催されるアニメ・漫画の展覧会。ここでも彼のアンテナは鋭い。

まずは、カルト的な人気を誇る『エヴァンゲリオン』。30周年を記念したこの展示では、貴重な原画や巨大フィギュアがファンを魅了した。

そして、サイバーパンクの金字塔『攻殻機動隊（Ghost in the Shell）』。

4月までtokyo nodeギャラリーでやっている本展示でも、様々な原画が飾られている。

https://www.tokyonode.jp/sp/exhibition-ghostintheshell/

TOKYO NODEで開催中の展示を訪れただけでなく、制作元の講談社まで足を運び、超レアな原画を間近で鑑賞する様子も投稿されている。

個人的に驚いたのは、映画化もされた漫画『ルックバック』の展示。あの『チェンソーマン』の藤本タツキによる読切作品だが、アニメ版の押山清高監督からサインをもらっている姿はなんとも微笑ましかった。ちなみにこの作品、2028年にカンヌでパルムドールを受賞した是枝裕和監督による実写版の制作も進んでいて、今後の展開が楽しみでならない。

ゲームの聖地巡礼とレトロへの眼差し

ゲームに関しても熱心だ。SEGAやCAPCOMといった名だたるゲーム会社を訪れ、伝説的なデザイナーたちと対面する姿がストーリーに流れた。

SEGAでの写真のほか、ファミコンやゲームボーイ、アーケードゲームの実機を購入した様子も。日本人にとっては「中古ショップで見かける古いもの」でも、彼の目を通すと、強烈なノスタルジーを放つ新たな価値を持ったアイテムとして映る。

日本の音楽シーンとのリンク

滞在中に日本のアーティストとも交流しているようだ。

まずは、かつて彼の日本公演でも共演した米津玄師。ジブリ最新作『君たちはどう生きるか』の主題歌も担当した、日本を代表するトップアーティストだ。

そして、今や世界を席巻しているCreepy Nuts。R-指定のラップとDJ松永の技術が融合した彼らの楽曲は、2024年にアニメ主題歌として特大ヒットを記録した。

日本ではアニメ主題歌がヒットチャートの常連になることが多く、アニメとのタイアップはスターへの登竜門でもある。

その一方で、ポップミュージックの枠を超えて愛され続けるアーティストがいる。2010年に急逝したNujabes（ヌジャベス）だ。彼の作るジャズとヒップホップを融合させたサウンドは、アニメ『サムライチャンプルー』を通じて世界中に広まった。

The Weekndは『サムライチャンプルー』の作者と写真を撮り、Nujabesのレコードを大量に買い込む様子を投稿している。時代を超えて愛される日本の「ローファイ」の源流を辿っているようだ。

いい意味でアニメらしくないジャズの要素も組み合わせた曲で、私もとても好きだ。

The weekendsはアニメsamurai champlooの作者と撮影した写真やnujabesのレコードを大量買いした写真を投稿していた。

最後に：「ちいかわ」を愛でるギャップ

語り尽くせないほど濃い滞在記だが、最後にこれを紹介したい。今、日本で社会現象となっているキャラクター「ちいかわ」。BLACKPINKのジェニーも原宿のキデイランドを訪れて話題になったが、The Weekndもちいかわの帽子をかぶって満面の笑みを浮かべている。

世界的なスターが、日本の「カワイイ」の象徴を楽しんでいる姿は、見ていて本当に嬉しい。

The Weekndのサブアカウントから見えてきた、2026年現在のリアルな日本カルチャー。これから日本を旅する人は、ぜひ彼のサブアカウントを参考にしてみてほしい。

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British Film InstituteとThe National Lotteryが支える、イギリスの若き才能たち

Rina — Thu, 19 Feb 2026 16:24:47 +0000

2025年度は、『逆転のトライアングル』で人気に火がつき、『ベイビーガール』ではニコール・キッドマンの相手役となったことで大きな話題になった、俳優ハリス・ディキンソンの初監督作「Urchin」や、ハリー・ポッターのダドリーの面影は今や微塵もない、素晴らしい役者に豹変したハリー・メリングと、スカルスガルド兄弟の長男坊（大人気の俳優をこんな表現をして良いものなのか）、アレクサンダーが共演した「Pillion」。

と、まだ日本で公開されていない作品を言及してもあまり実感がないが、日本でも興行的ヒットを収めた『アフターサン』。これらの作品に共通していることがある。

それは監督デビュー作品として、英国映画協会・国営宝くじから資金提供を受けているという点だ。

イギリスが世界に誇るBritish Film Institute＝英国映画協会の功績を一つ一つ語れば、尽きることはないのでそれは割愛するが、彼らとThe National Lottery＝国営宝くじが運営する基金’Discovery Feature Funding’では毎年、この長編デビュー作を対象にしたファンディングを行っている。

https://www.bfi.org.uk/get-funding-support/create-films-tv-or-new-formats-storytelling/bfi-filmmaking-fund-discovery-impact-feature-funding#:~:text=Discovery%20feature%20funding%20provides%20awards,weeks%20after%20the%20closing%20date.

The National Lotteryの収益の内訳。4分の1以上がアート・スポーツに当てられているのは素晴らしいことのように思える。

https://www.news-digest.co.uk/news/features/18818-history-of-the-lottery.html

もちろん映画がどれだけ評価されるかは、キャスティングやどんな会社が配給するかなども大事であるし、（『アフターサン』は、英国随一のMUBIが、「Pillion」「Urchin」は独立系映画館でもワンオブトップなPicturehouseが手掛けたことでも、その成功が伺える。）そのようなネットワーキングを手助けしているのもBFIだが、毎年毎年、クオリティの高い監督デビュー作に出会える、そのシステムにいち観客として感動している。『アフターサン』が、ポール・メスカルの現在の鰻登りの人気に貢献したのも当然のことながら、デビュー作でアカデミー賞にノミネートされたことは、あまりにも輝かしい。

なぜそんなに国が大々的に若手を支援をするのか、という問いも生まれるのかもしれないが、アカデミー賞国際長編映画部門の各作品の戦略を見ていると、やはりその一面には、国ごとの戦いであることは見て取れるだろう。

今でこそ非英語圏の映画も主要賞にノミネート・受賞しているが、元来アカデミー賞は「アメリカ映画の祭典」という立ち位置であった。であることから、非英語圏の各国は、毎年どの一本を国代表に選出し、ショートリスト、ノミネート、受賞までにどうこじつけるのか、と躍起になっている。パルムドールでは頻繁にその名が上がるフランスだが、アカデミー賞国際長編映画賞に限って言えば、2020年代では昨年の『エミリア・ペレス』の一回のノミネートのみ。2010年代もラジ・リ監督『レ・ミゼラブル』、『裸足の季節』の二回のノミネートのみ、と受賞作品を調べると92年『インドシナ』まで遡ることになる。「It was just an accident」は、イラン政府から映画作りを禁止されているパナヒはもちろんイラン代表と選出されることはないことから、共同制作国であるフランスから選出。フランスにとっても待望の今部門の受賞が期待されている。

さてさてどんどん話が外れてしまったが、日本はどうかと言われれば、もちろん文化庁が主催する補助金制度や、国際共同制作（イギリスでは逆に共同制作的補助がない）など、様々に制度そのものは存在するが、日本では製作委員会方式で制作費を集めることが多く、その功罪として、名が立つ監督が、有名な俳優と、ベストセラーの小説を元に…、と既に映画が完成する前から立派な宣伝文句が並ぶような形で、リスクを避ける傾向が顕著である。

それが悪いことだとは決して言わないが、それではどんどん若手監督・無名俳優のチャンス、またはチャレンジングなオリジナル脚本にも挑みづらいのも事実である。

上記のファンディングも長年かけて作り上げられたものであることは間違いなく、向こう10年、20年を見据えて、このような補助金制度が設立されることを祈るばかりだ。

事務所に届くScreen Internationalを本日も熟読しながら。

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日本で流行っているもの〜シール交換〜

Rina — Thu, 19 Feb 2026 16:09:43 +0000

「今日本で流行っているものは？」と聞かれれば、大半の人がこう答えるだろう。「シール交換」。ロンドナーにはまだまだ理解不能な日本文化は沢山あるので紹介していきたい。

上記は有名なセレブレティが、ただシールを交換する動画。見てわかるように小さなシール帳を溢れんばかりにぱんぱんにするのが醍醐味である。コミュニケーションとして、大事なのは「相手のシールを褒めること」。何か卑下するより、「どれだけ可愛いか」「どれだけレアか」などを褒めあう。合言葉は「可愛い」だ。

現在、老若男女問わず持っているというシール帳。コンパクトな手帳のようなものに、細々としたシールが貼られている。見てお分かりいただけるかと思うが、ここに実用性というものは一つもない。しかし、一部の人気シールたちは現在店舗で即完売状態、入手困難ともなるほどだ。

ルール（？）は簡単である。

自分の持っているシールと相手が持っているシールを交換するのだ。しかし、なんでもかんでも交換できるわけではない。自分のものと見あったものを相手のものから探し、互いに交渉しながら、交換の同意が得られたところで交換が成立する。レア度が高いもの、サイズが大きいもの、人気キャラクターなどは交換しずらく、彼らは「それはレートが高い」という言葉を使って、価値が高いことを示唆する。

キャラクター大国である日本では、あらゆるキャラクターがシールとなりうる。

このブームの面白い点は、文字通り老若男女、親が子供と、祖父祖母が孫と、社長が部下と、男友達同士で、誰もが同じように楽しめる点。それは、日本のかわいい文化が生んだ、「誰もの心に可愛いものを愛でる感情がある」ということが認められているからこそに思う。

そもそもこのシール交換の激烈なブームは、1990年代後期〜2000年代に流行ったものが再ブームしている背景がある。世界的にも有名なTamagotchiを筆頭に、個性的なペンケースや、ガラケーの画面に使用する画像なども再流行しているそうだ。

何を隠そう（何も隠してはいないが）書いている自分がそのドンピシャ世代のため、あまりにも懐かしくて前が見えない…状況ではないが、懐かしさはこの上ない。

何度もいうが、ここに実用性という言葉は必要ない。実際に、人に会い、モノに触れながら、感想をいいあう。そのアナログなコミュニケーションだからこそ、今の時代に求められたのかもしれない。

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進化するV&Aミュージアムの全貌：サウス・ケンジントンから最新のV&A Eastまで

Mizuki — Thu, 19 Feb 2026 15:50:02 +0000

ロンドンには数多くの美術館があるが、その中でも一際異彩を放っているのがV&A（ヴィクトリア＆アルバート博物館）だ。

イギリス国内にはV&Aが運営する施設がいくつか存在するが、最も有名なのはサウス・ケンジントンにある本館だろう。世界中から集められた膨大なコレクションが所狭しと並び、1日かけてもすべてを見尽くすのは到底不可能なほどの規模を誇る。

そもそも「V&A」という名前は、19世紀イギリスの黄金期を築いたヴィクトリア女王とその夫アルバート公の頭文字に由来している。もともとは、1851年に開催された世界初の万博（ロンドン万国博覧会）の収益を元に設立された、王室ゆかりの博物館だ。

一般的に「博物館・美術館」といえば「古い絵画や彫刻を静かに鑑賞する場所」というイメージがあるかもしれない。しかし、V&Aの立ち位置は世界最大級の「アートとデザイン（装飾芸術）」の集まる場所だ。いわゆる「純粋芸術（ファイン・アート）」よりも、「人間が生活の中で使うモノを、いかに美しく、機能的に作るかという視点でコレクションが構成されている。

その背景には、設立当時のイギリスが抱えていた切実な悩みがあった。産業革命によってモノを作る技術は飛躍的に向上したものの、当時のイギリス製品は「デザインがダサい……」という大きな課題を抱えていた。

そこでアルバート公は考えた。「世界中の優れた工芸品を並べて、イギリスの職人やデザイナーに見せよう。そうすれば、もっと良い製品が作れるようになるはずだ！」つまり、V&Aはもともと「デザイナーを育てるための教育機関」としてスタートしたのだ。

そのため、British Museumのように巨匠の宗教画が並ぶのとは少し趣が異なる。例えば日本の展示ブースを覗けば、侍の鎧のすぐ隣に、ハローキティや懐かしのガラケーが同列に並んでいる——そんなユニークな光景を目にすることができる。

V&Aミュージアムの日本ブースで展示されている携帯たち。今見てもデザインがとても美しい

こうして設立されたV&Aだが、近年、ロンドンの至る所に新しい拠点をオープンさせている。

例えば、東ロンドンのベスナル・グリーンにある「ヤング V&A（Young V&A）」。この建物は、もともとサウス・ケンジントンにあった1851年万博の仮設建造物（通称「プロンプトン・ボイラー」と呼ばれる鉄骨構造）を移築して建設され、1872年に「ベスナル・グリーン博物館」として開館した。

第一次世界大戦後から子供に関連するアイテムが展示されるようになり、1920年代に学芸員アーサー・セイビンが専用セクションを設置したことでその規模が拡大。1974年には「V&A子ども博物館」と命名され、子供時代の歴史に焦点を当てた国立博物館となった。

そして3年間の改装期間を経て、2023年に「ヤング V&A」としてリニューアル。このリブランディングにより、単に「子供の歴史」を展示する場所から、子供たちのための「遊び、創造、デザイン」を体験する実践的なスペースへと進化を遂げた。2023年には『Japan: Myths to Manga』という企画展があり、日本の漫画や妖怪、ジブリ、ハローキティなどが展示されたことも記憶に新しい。

Young V&A 館内

1925年　東京の名所を巡るすごろく

ナマズが日本でどういう意味を持つかを説明する展示

そして、2025年にロンドン東部のクイーン・エリザベス・オリンピック・パークに新たに誕生した「V&Aイースト・ストアハウス（V&A East Storehouse）」は、まさに画期的な博物館だ。

ここは、これまで一般公開されてこなかったV&Aの膨大な収蔵品（25万点以上）を、誰でも間近で見られるようにした「見せる収蔵庫」。博物館の「舞台裏」を体験できるような、少しテーマパーク感漂う場所で、巨大な棚に並ぶ作品を自由に見学したり、研究者が作品を扱う様子を観察したりできる。

V&A east storehouse 館内　3フロアにわたり「モノ」が並ぶ

手に届きそうなほど近くで保管物を見ることができる

ロンドン東部にあった有名なアパートの外壁

昨年の夏にベネチア・ビエンナーレ国際建築展を訪れた際にも、この博物館に関する展示を見て、非常に面白いと感じた。

ベネチア建築ビエンナーレ内の企画展「ON STRAGE」

基本的に博物館や美術館の倉庫は閉鎖的なものだ。しかし、これはコンセプト図からもわかるように、極端なまでの開放性を目指している。作品を保管するという「機能性」と、不特定多数の人が訪れるという「アンバランスさ」をうまく組み合わせていた点には驚かされた。

世界各国の美術館の倉庫の立ち位置

しかも、作品は驚くほど至近距離で見ることができる。正直、セキュリティや安全性の面で問題ないのかと、こちらが不安になるほどの距離感だ。また、ここには有料の「デヴィッド・ボウイ・センター」も設置されている。

そして今年、2026年5月には、そのストアハウスから徒歩10分ほどの場所に、また違うV&Aがオープンする。

こちらはより伝統的な「展示」を中心とした博物館で、2026年4月に開館予定だ。ロンドン東部の若者やクリエイター、地域住民とのワークショップも開催されるという。

ちなみに、現在東京の国立新美術館で開催されている「YBA & BEYOND：世界を変えた90s英国アート」のアーティストたちも、その多くがこのロンドン東部を拠点に活動していた。

写真左側にあるのが、今年オープンするV&Aミュージアム

この「ストラトフォード」と呼ばれる地区は、いわゆる再開発地区だ。そのルーツは2012年ロンドン五輪後の再開発計画「イースト・バンク（East Bank）」に遡る。ロンドン市長による11億ポンド規模の文化投資プロジェクトの一環で、かつての工業地帯を文化・教育の新たな中心地へと変貌させることを目指している。すでにBBCの音楽スタジオ、サドラーズ・ウェルズ劇場、ロンドン・カレッジ・オブ・ファッション（LCF）、UCL（ユニバーシティ・カレッジ・ロンドン）の新キャンパスなどが集まる巨大な文化特区になった。

正直なところ、現在の東ロンドンは、かつてのような「アーティストの街」というよりは、ジェントリフィケーションによって地価が上がり、アーティストが気軽に住める場所ではなくなっている（これについてはまた別記事で書こうと思う）。けれど、これから東ロンドンがより一層変化していくことは間違いないだろう。

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イギリスの舞台芸術事情〜日本との違い

admin — Wed, 18 Feb 2026 16:15:35 +0000

イギリスと言ったら芸術、特に演劇、ミュージカル、バレエ、オペラ、などの舞台芸術と考える人は多いんではないでしょうか。ロンドンに観光に来たら必ずWest Endのミュージカルを観に行く！という人がかなりいる印象です。

なので今回はイギリスと日本の舞台芸術事情を紹介できたらと思います。

イギリスに比べたら、日本で舞台を見るのはすごく特別なイベントという印象を受けます。上演期間は短いものが多かったり、何と言ってもチケットの値段が高かったり、そもそもいつもチケットが売り切れてて買う機会がなかったり、、

その一方で、特にロンドンではロングランのものが多く、毎日何かしらのミュージカルや劇が上演されてます。チケットももちろん席によりますが、安くて２５ポンドで観れたり、当日券も豊富なので、友達と「ねえ、今日暇？あのミュージカル観ない？」って言ってその日の予定が決まったり。日本より気軽に舞台に観に行けて、もっと身近なものとして捉えられるのではないでしょうか。

私自身バレエをやっていたので、バレエ団の内部の事情を聞くとかなり日本とイギリスで差があるように感じます。例えば、日本のバレエ団だと、助成金や寄付で賄い、ダンサーは給料制ではなく公演ごとの歩合制で、団費（月会費のようなもの）を支払う場合も多く、生活のためにアルバイトが必要なダンサーもいるなど、経済的に厳しい運営状況にあることが多いです。バレリーナに必須なトウシューズも１足１万円ほどするのにもかかわらず、バレエ団は支給せず自費で払わないといけないと聞いたこともあります。トウシューズは持っても１カ月で、数日で潰れることもあるので、トウシューズだけで毎月10万円ほど自費で払わないといけないことになります。日本で唯一の国立バレエ団である新国立劇場バレエ団はちゃんとした給料に加え、トウシューズも支給されると聞いたことありますが、公演数もそれほど多くないため（例：2025/2026シーズン「くるみ割り人形」全18公演）、やはり主役級クラスではない限り、日本のバレエ団に入団しても生活が苦しいという現実があります。

一方で、イギリスのバレエ団の場合、給料制がほとんどで、国立のバレエ団は5つあり、公演数もかなり多い印象です（例：英国ロイヤルバレエ団2025/2026シーズン「くるみ割り人形」全32公演）。トウシューズ費はもちろん支給され、団員一人一人にトウシューズ棚が用意され、必要ならオーダーメイドで作ってもらえるとのこと。その他トレーニング、治療、メンテナンス、リハビリなどにかかる費用も補ってもらえるらしいです。日本に比べ、イギリスのバレエダンサーは比較的安定した生活を送れるのが明らかです。

(https://www.worldofinteriors.com/story/pointe-shoe-craft-room-royal-ballet-opera-london )

やはりこのように比較すると、日本と比べてイギリスでは舞台芸術が文化政策の一環として明確に位置づけられ、観客、劇場、アーティストのすべてを支える仕組みが整っていることが分かります。舞台芸術を「守るべき文化資産」として捉える姿勢こそが、ロングラン公演やダンサーの安定した雇用につながっており、イギリスにおいて舞台芸術が重要視されている大きな理由と言えるでしょう。

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日本映画産業におけるメディアミックス戦略

admin — Wed, 18 Feb 2026 16:03:07 +0000

アイドルを基盤としたスターシステムを組み込むメディアミックス戦略は、日本映画産業において長年にわたり発展してきた重要な手法である。日本の実業家・映画プロデューサーである角川春樹は、映画・出版・音楽を一体化させた商業主導型の映画制作モデルを先駆的に打ち出した人物だ。彼は、俳優を単なる映画スターとしてではなく、複数のメディアを横断する「トランスメディア的商品」として設計するアイドル主導型のアプローチを採用した。こうして角川は、従来の物語中心の映画制作から、マーケティング重視の映画制作へと舵を切り、1970年代から80年代にかけて日本映画の制作・宣伝のあり方を大きく変革した。この戦略は現在も強い影響力を持ち、クロスメディア展開とアイドル・ブランディングは、現代のエンターテインメント産業の基盤となっている。

角川が登場したのは、日本の映画産業が危機に直面していた時代だった。1970年代、⼤映は倒産し、日活はロマンポルノ路線によって辛うじて生き残るなど、従来のスタジオシステムは崩壊しつつあった。こうした状況の中で、角川は新たな商業的ビジョンを提示する。映画は単体で公開されるのではなく、ベストセラー小説、ポップスの主題歌、雑誌、テレビ広告と同時に展開され、各メディアが互いを宣伝し合う仕組みが構築された。映画は、より大きな消費体験の中心的存在となったのである。

角川が特に重視したのは、スターの存在だった。彼にとってスターは、メディアを横断する最も強力な「接続点」だった。薬師丸ひろ子や原田知世といった角川アイドルは、単なる女優ではなく、精密にマネジメントされたトランスメディア的存在であった。彼女たちは主題歌を歌い、CMに出演し、写真集や雑誌に登場し、テレビと紙媒体を縦横無尽に行き来した。『ねらわれた学園』（1981）、『セーラー服と機関銃』（1981）、『時をかける少女』（1983）といった作品では、若いアイドルたちが現実社会の問題から距離を取ったファンタジー性の高い物語の中に配置され、楽観的で洗練された、国境を越えやすいイメージが提示された。ここには、後のフランチャイズ展開を先取りする発想がすでに見て取れる。

現在の日本のエンターテインメント産業は、ほぼ全面的にメディアミックスの論理によって動いている。『鬼滅の刃』や『呪術廻戦』といったアニメ作品は、漫画からテレビアニメ、劇場映画、ゲーム、グッズ、さらにはテーマパークとのコラボレーションへとシームレスに展開される。キャラクターはアイドルのように機能し、安定的で認知度が高く、スキャンダルのリスクも低い商業資産となっている。さらに近年では、声優もテレビ、ラジオ、ライブイベントなどに出演するマルチプラットフォーム型のスターとなり、フィクションと現実の境界はますます曖昧になっている。

今日では、アイドルがドラマに主演し、主題歌を担当し、バラエティ番組で宣伝し、雑誌の表紙を飾り、コンサートを行うという流れはごく一般的だ。こうした活動はすべて、グループのブランド価値を強化するために連動している。『花より男子』（2005〜2008）の成功は、その典型例である。既に人気を獲得していた漫画を原作とし、嵐の松本潤を主演に迎えたこのドラマは、主題歌も大ヒットを記録した。シリーズはテレビドラマから映画へと拡張し、さらに海外リメイクへと広がり、スターと物語がいかに緊密に結びついていたかを示している。

近年の作品では、『グランメゾン・パリ』（2024）もまた、メディアミックスの進化を象徴している。元SMAPの木村拓哉が主演を務める本作は、テレビドラマから続く長期プロジェクトとして位置づけられ、ミシュランガイドとのコラボレーションなどを通じて、映画がライフスタイルやグローバル・ブランディングと結びつく形で展開された。

バーチャルアイドルから配信時代のフランチャイズ作品に至るまで、日本は映画を巨大なメディアシステムの一部として捉えるモデルを洗練させ続けている。映画を商品へと変え、アイドルをプラットフォームとして機能させた角川の革命的な発想は、数十年を経た今もなお、映像、音楽、スターが絶え間なく循環する世界の中で日本映画の制作、宣伝、消費のあり方を規定し続けているのである。

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紅茶の国ロンドンを塗り替える抹茶ブーム

Mizuki — Wed, 18 Feb 2026 14:41:42 +0000

ロンドンの街を歩くと、至る所で「Matcha」の文字を見かける。正直、日本にいる時よりも「抹茶」という単語を目にしている気がする。

今、ロンドンでは空前の抹茶ブームが起きている。数年前からブームの兆しはあったし、抹茶専門のカフェも見かけてはいたけれど、当時はまだカルチャー感度やヘルシー志向が高い人たちのためのものだった。

ところが、ここ1年で状況は一変。大手チェーンから小さなローカルカフェにいたるまで、抹茶ラテが「定番メニュー」として当たり前のように並ぶようになっている。

伝統的な「紅茶（Black Tea）」の国であるロンドンで、なぜこれほどまでに抹茶が浸透したのか。その理由は、単なる味の好みを超えた、ロンドナーの価値観の変容にあった。

1. 「穏やかな覚醒」を求めるウェルネスの波

紅茶のイメージが強いロンドンだが、実はニューヨークに次ぐ「コーヒーの街」でもある。金融街のバンク駅周辺には数多くのカフェが並んでいるけれど、近年のウェルネス・ブームで抹茶に含まれる「L-テアニン」が注目され始めた。

L-テアニンには、カフェインの吸収を穏やかにし、精神を研ぎ澄ましながらもリラックスした状態を保つ効果がある。忙しいシティのビジネスマンやクリエイターたちが、コーヒーの急激な覚醒に代わる「パフォーマンス向上飲料」として抹茶を手に取っているのだ。

2. 紅茶文化の「進化系」としての受け入れ

イギリス人にとって、温かいミルクティーを飲むのは日常の習慣だ。抹茶ラテは、彼らにとって「見慣れない異国の飲み物」というよりは、「究極に健康的で贅沢な、新しいスタイルのミルクティー」として映っている。

特に、ロンドンに多いヴィーガン層にとって、オーツミルクと抹茶の相性の良さは革命的だった。従来の紅茶よりもクリーミーで満足感が高く、なおかつ「スーパーフードを摂取している」という自己肯定感を与えてくれる。これが、伝統的なティータイムが抹茶ラテへと置き換わっていった要因の一つと言える。

ブルーベリーなどの果物と抹茶を組み合わせスムージーのようにした土陸が最近よく売られている

大手スーパーM&Sでも抹茶がスーパーフードのような立ち位置で並んでいる

3. SNS時代の「視覚的アイデンティティ」

ロンドンのカフェシーンにおいて、抹茶の「鮮やかな緑」は最強の武器だ。「Blank Street Coffee」などの人気チェーンが火付け役となり、ブルーベリー抹茶やマンゴー抹茶といった、美しい層のグラデーションドリンクがSNSで爆発的に拡散された。

また、ロンドンで人気の抹茶専門カフェ「Jenki」は、京都の形をポップなロゴにし（ほぼ雷にしか見えないけれど……）、抹茶をポップカルチャーとして発信している。

かつて紅茶は、家でリラックスして飲む「日常」の象徴だった。けれど、今の抹茶は「自分は健康や文化に気を配っている」というセルフブランディングの象徴。つまり、持っているだけでサマになるファッションアイテムとしての地位を確立したのだ。

こうした背景から、今や抹茶は単なる飲み物ではなく、一種のステータスやモダンな儀式として楽しまれている。単に粉を溶かすだけでなく、本格的な茶筅（ちゃせん）を使って点てるパフォーマンスを取り入れる店舗も増えていて、そのクラフトマンシップへの敬意も人気の理由の一つだ。

日本人が経営する「Matchado（抹茶堂）」や、京都の老舗「辻利（Tsujiri）」も、ロンドンで確かな人気を誇っている。

さらに最近では、抹茶に続いて「ほうじ茶」にも注目が集まっている。ほうじ茶は抹茶よりもさらにカフェインが少なく、コーヒーに近い香ばしさがあるため、夕方以降の「アフターヌーン・ドリンク」として急速に支持を広げている。もしかしたら、抹茶に続く第2の波として、本格的なほうじ茶ブームがすぐそこまで来ているのかもしれない。

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世紀後半以降、日本映画はいかにしてUK／グローバルな観客に届いてきたのか？

admin — Fri, 19 Dec 2025 17:01:40 +0000

20世紀後半以降、日本映画はいかにしてUK／グローバルな観客に届いてきたのか？

日本映画は、スタイルやジャンル、文化的背景の幅広さで知られており、流通の拡大とともに世界的な評価を徐々に高めてきました。特にイギリスでは、日本映画がどのように配給されてきたかが、その創造性や独自のジャンル性への評価のされ方に大きな影響を与えてきました。

長い間、イギリスで日本映画、特に実写作品にアクセスすることは容易ではありませんでした。この状況が変わり始めたのは20世紀後半で、VHSやDVDを通じてカルト映画やジャンル映画が流通し始めたことがきっかけでした。この時期、Tartan Filmsのような配給会社は、フィジカルメディアを通じて日本映画をイギリスの観客に紹介するうえで重要な役割を果たしました。

なかでもTartan Filmsの「Asia Extreme」レーベルは広く知られる存在となり、『リング』（1998年／中田秀夫）、『オーディション』（1999年／三池崇史）、『バトル・ロワイアル』（2000年／深作欣二）といった作品をイギリスの観客に届けました。

これらの作品は、日本映画を強く印象づける一方で、そのイメージが限定的であった面も否めません。確かに「Asia Extreme」は本来であれば観る機会のなかった日本映画を紹介する役割を果たしましたが、同時に、日本映画を「奇妙」あるいは「エキゾチック」なものとして捉える見方を助長しました。この点について、西洋の視点から東洋文化が固定化されたイメージで描かれる「オリエンタリズム」と結びついた、偏った日本映画像を強化してしまったと指摘されることもありました。

近年では、より幅広い視点からの配給の取り組みも見られるようになっています。例えば、Japan Foundationによる「Japan Foundation Touring Film Programme」は、現代作品からクラシック作品まで、多様なジャンルの日本映画を紹介することで、イギリスの観客によりバランスの取れた日本映画を提示することを目指しています。同時に、配信の拡大によって、日本映画やドラマはこれまで以上に世界中で視聴しやすくなりました。

それでもなお、特に実写のストリーミングドラマに目を向けると、日本の映画ドラマの世界展開に課題が残ってるのは確かです。近年の代表的な例としては、FXとHuluによる共同制作ドラマ『SHOGUN 将軍』（2024年／レイチェル・コンド、ジャスティン・マークス）があり、エミー賞、ゴールデングローブ賞など国際的な評価を獲得しました。このドラマはアメリカで制作されましたが、日本語の作品として世界的な人気を獲得した成功例の一つとなりました。Netflixでは、『今際の国のアリス』（2020年〜／佐藤信介）や『忍びの家 House of Ninjas』（2024年／デイヴ・ボイル）が注目を集め、さらに『イクサガミ』（2025年／藤井道人）も今年大きなヒットとなりました。

これらの作品はいずれも完成度が高く、国際的に高い評価を受けていますが、その表象には20世紀後半のTartan Filmsによる「Asia Extreme」と似た側面が見られます。多くの配信作品は、西洋の観客を意識した日本文化の枠付けを行っており、侍、歴史神話、カルト的・過激な要素といった分かりやすいテーマが用いられがちです。現在では、さまざまなジャンルの日本ドラマが世界中で配信されているにもかかわらず、このようなオリエンタリズム的な表象が国際市場において「売りやすい」構図であることも事実です。これは、日本映画やドラマがグローバルな文化空間の中で、より多面的でバランスの取れた評価を獲得していくうえで、今なお続く課題と言えるでしょう。

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